Didier Ottinger

Comment concilier l’appel au rêve et le souci du réel, la psychanalyse et le matérialisme dialectique ? La question se pose au Surréalisme à la fin des années vingt, alors le mouvement, fondé par André Breton, se met « au service de la Révolution ». Un engagement, qui suppose la remise en cause du rôle social de l’artiste, de la fétichisation marchande de ses oeuvres, auquel répond l’invention de l’objet surréaliste.
La Boule suspendue d’Alberto Giacometti constitue le prototype des « objets à fonctionnement symbolique » surréalistes. Face au soupçon de déviance « idéaliste » par les instances du Parti communiste, André Breton est conduit à reconsidérer ces premiers objets dont le « contenu manifeste », les liens avec l’inconscient et les puissances du désir, s’avèrent par trop subjectif et « artiste ». L’« Exposition surréaliste d’objets », organisée en 1936 à la galerie Ratton, qui marque le point d’orgue de la réflexion surréaliste appliquée à l’objet, rassemble des « objets mathématiques », des masques Inuits, des minéraux, un tamanoir empaillé, et quelques objets surréalistes.
La période de la guerre voit un transfert des questions liées à l’objet dans un art de l’assemblage.
Avec un groupe d’oeuvres joyeusement polychromes, Joan Miró crée, à la fin des années soixante, des figures improbables qui résultent de l’assemblage d’objets les plus hétéroclites.
Ce dictionnaire-catalogue qui accompagne l’exposition « La sculpture au défi », présentée au Centre Pompidou du 30 octobre 2013 au 3 mars 2014, retrace les étapes d’un questionnement qui provoque l’avènement de l’objet, fait proliférer la figure du mannequin, provoque le développement de la mise en scène des expositions.

ISBN : 9782070141814

ISBN : 9782840681397

L’exposition du Grand-Palais revient sur la confrontation féconde que les artistes ont menée, depuis les années 1960, avec l’oeuvre de Picasso. Cette relation est présentée dans son développement historique, dans sa diversité : de la peinture à la vidéo, de la photographie à la bande dessinée. A la fois chronologique et thématique, le propos retrace les différents moments de la réception critique et artistique de l’oeuvre de Picasso, les étapes de la formation du mythe associé à son nom.
Aux grandes phases stylistiques, à certains tableaux emblématiques tels que Les Demoiselles d’Avignon et Guernica, répondent les oeuvres contemporaines de Bacon, Hockney, Jasper Johns, Lichtenstein, Kippenberger, Warhol ou encore Jeff Koons.

ISBN : 9782070106899

Iil y a cent ans naissait l’avant-garde.
le 20 février 1909, le poète italien marinetti publiait à la une du figaro le manifeste du futurisme, il y célébrait le nouvel âge des foules, la beauté de la machine, le dynamisme, la vitesse, le mépris du passé. un an plus tard, balla, boccioni, carrà, russolo, severini signaient un nouveau manifeste qui dotait le futurisme d’une composante picturale. fiers et belliqueux, les peintres italiens ambitionnaient d’imposer leur peinture à paris, d’y supplanter un cubisme qu’ils suspectaient de conservatisme.
des débats parisiens émergeait bientôt une troisième voie une associant le formalisme cubiste et la modernité futuriste. en france, duchamp peignait son nu descendant l’escalier, picabia udnie; en russie, malévitch brandissait l’étendard du  » cubofuturisme a; en angleterre, lewis fédérait les jeunes peintres « rebelles » autour du vorticisme; au salon des indépendants de 1913, apollinaire saluait l’avènement d’une nouvelle école picturale, l’orphisme.
par une iconographie abondamment commentée, chaque oeuvre faisant l’objet d’une notice, le présent catalogue instruit le dossier du fantastique bouillonnement artistique qui anima les années précédant la première guerre mondiale. par la reconstruction quasi complète de l’exposition fondatrice du futurisme, présentée en 1912 à la galerie bernheim-jeune, il offre une vision exhaustive d’un mouvement, le seul du xxe siècle qui n’ait pas fait l’objet, en france, d’une étude aussi documentée depuis plus de trente ans.

ISBN : 9782844263599

Il faut attendre 1942 et l’exposition qu’André Breton organise à New York pour que soit officiellement fixé comme but au surréalisme l’expression d’une mythologie moderne. Ce projet est réaffirmé à l’occasion de l’exposition Le surréalisme en 1947, qui marque le retour de Breton à Paris. Ariane guide De Chirico dans un labyrinthe qui se confond avec nos définitions de l’inconscient, Fantômas devient le déchiffreur des arcanes de la psyché moderne, Pasiphaé incarne un éros surréaliste sur lequel plane l’ombre du sadisme et de la bestialité, la «Femme-lune» des mythologies indiennes apparaît comme l’emblème de l’indépendance à laquelle aspire l’art d’avant-garde américain. La loupe mythologique posée sur l’histoire du surréalisme donne à ses formes des significations nouvelles, en redéfinit les figures tutélaires, De Chirico, Masson, Duchamp y retrouvent une place de premier plan. Rendu à la temporalité du mythe, le surréalisme s’échappe de la théorie saccadée des avant-gardes du XX? siècle. Ses chimères, ses cadavres exquis rejoignent ceux qui prolifèrent dans l’art maniériste des grotesques et dans l’art fantastique médiéval ou symboliste.

ISBN : 9782070764556

Découvrez les univers des plus grands artistes du XXe et du XXIe siècle à partir d’une sélection d’oeuvres emblématiques principalement tirées de la prestigieuse collection du Musée national d’art moderne, au Centre Pompidou, à Paris.
Richement illustrés, les titres de cette série sont écrits par des spécialistes du sujet. Grâce à des textes clairs et vivants, ces ouvrages satisferont aussi bien les amateurs que ceux qui veulent faire leurs premiers pas dans le monde de l’art moderne et contemporain.

« Les Humanoïdes sont mes êtres imaginaires, ils peuvent endosser tous les rôles, maîtresses, fous et solitaires, puissants et faibles… »
George Condo

George Condo est connu pour ses hybridations d’influences artistiques empruntant aussi bien aux maîtres anciens qu’au cubisme ou au pop art. L’artiste américain, inventeur de la notion de « réalisme artificiel », mêle les images, les styles et les courants dans des œuvres qui invitent à porter un regard critique sur la culture occidentale contemporaine et ses débordements. Les peintures et sculptures présentées dans ce catalogue retracent ses voyages dans l’univers parallèle des Humanoïdes : métaphores de notre humanité, ces créatures en exacerbent les émotions et les vicissitudes. George Condo revient ici, dans des écrits inédits, sur la genèse et la signification de son œuvre, et dévoile des tableaux créés sous la double influence de la pandémie et de la débâcle politique aux États-Unis.
Didier Ottinger, historien de l’art, spécialiste de la peinture moderne et contemporaine, examine la carrière, les influences et l’œuvre de cet artiste unique, qui navigue entre reformulation de l’histoire de l’art et caricature des excès du monde moderne.
Cet ouvrage est publié à l’occasion de l’exposition Humanoïdes présentée par George Condo au Nouveau Musée National de Monaco, près de vingt-cinq ans après ses collaborations avec Les Ballets de Monte-Carlo pour lesquels il avait créé un rideau de scène, une scénographie et des costumes.

Nighthawks, New York Movie, Gas, House by the Railroad, les images d’Edward Hopper incarnent nos mythologies américaines. À l’instar des scènes les plus mémorables du cinéma d’Hollywood, nous avons fini par croire à leur vérité, sans jamais cependant oublier qu’elles sont taillées dans l’étoffe des rêves. L’art d’Edward Hopper s’enracine dans le naturalisme des peintres de l’Ash Can School ; il se développe pendant les années 1920 et 1930, dans un contexte soucieux d’identité nationale, qui referme sur lui le piège étroit du réalisme. Didier Ottinger analyse cette oeuvre qui présente de singulières affinités avec le surréalisme le plus fondamental, se rapproche des précurseurs d’un art conceptuel, expose des scènes apparemment banales et réalistes mais qui retrouvent l’intimisme de Vermeer, la spiritualité de Rembrandt, la théâtralité de Watteau ou de Degas.

ISBN : 9782070447350

A visual feast of flowers, abstractions, cityscapes and landscapes from American modernism’s most iconic painter Offering a complete survey of Georgia O’Keeffe’s illustrious career, this magnificent new book ranges from the works produced between 1910 and 1920 that made her a pioneer of abstraction to her celebrated flower paintings and views of New York, which led to her recognition as one of the key figures in modern American art, and culminating with her paintings of New Mexico.

The selection of color plates is accompanied by quotes from O’Keeffe on her art and additional photographic material pertaining to the paintings. The sense of reverence for the world and its forms emerges vividly through O’Keeffe’s words. « The unexplainable thing in nature that makes me feel the world is big far beyond my understanding–to understand maybe by trying to put it into form, » she writes. « To find the feeling of infinity on the horizon line or just over the next hill. » Also featured are a biography and texts by contributing curators from the venues to which the show travels, by scholars at the Georgia O’Keeffe Museum in Santa Fe and by acclaimed French art writer Catherine Millet.

Georgia O’Keeffe (1887-1986) began her art training at the School of the Art Institute of Chicago and the Art Students League of New York. She moved to New York in 1918, and in 1924 married Alfred Stieglitz. From 1929, O’Keeffe began spending part of the year in the Southwest, which served as inspiration for her paintings of New Mexico landscapes. After Stieglitz’s death, she lived permanently in New Mexico, in Abiquiú, later moving to Santa Fe.

Contributeurs: Anna Hiddleston-Galloni, Dale Kronkright, Andres Sanchez Ledesma, Marta Palao, Susana Perez, Ubaldo Sedano.

ISBN : 9788417173494

L’extension de la  » société des loisirs  » menace-t-elle la culture ? Divertissement populaire et  » culture savante  » sont-ils conciliables ? Dès le début du XXe siècle, le futurisme avait voulu ébranler une culture jugée surannée, en opposant un spectacle de music-hall à une tragédie de Racine. Dans les années 1920 et 1930, Dali et les surréalistes avaient relayé cette apologie du cabaret, de ta fête foraine, des films et des romans populaires. Après-guerre, les situationnistes de tous bords avaient trouvé dans une contre-culture joyeuse et hédoniste un antidote à l’ascétisme du mouvement moderne.
Aujourd’hui, les artistes contemporains, de disciplines et de sensibilités très diverses, de Pierre Huyghe à Andreas Gursky, de Martin Parr à Maurizio Cattelan, se sont emparés de ces questions. Au siècle de l’urbanisation galopante, la mutation rapide des villes est au coeur de leurs interrogations.
Des études de Robert Venturi consacrées au Las Vegas des années 1970 à l’ouvrage de Rem Koolhaas New York Délire, qui fait du Luna Park de Coney Island l' » incubateur  » mythologique de Manhattan, des cités idéales rêvées par Watt Disney aux fantaisies architecturales des urbanistes de Dubaï ou de Shanghai, Dreamlands retrace les étapes d’une métamorphose ludique de la ville, qui est peut-être aussi celle de la culture, à l’heure du tourisme de masse.
Un livre à destination du grand public, clair et concis.
Version bilingue français / anglais.

ISBN : 9782844264497

Dès sa première exposition parisienne en 1957 à la Galerie Rive Droite, Francis Bacon a bénéficié d’une extraordinaire réception auprès des romanciers, philosophes et critiques d’art français alors fascinés par la lecture de Sade, Nietzsche et Bataille. Cette anthologie, qui réunit seize auteurs d’horizons très divers, témoigne d’une fortune critique et littéraire exceptionnelle.

ISBN : 9782844268563

Dans la lignée des ouvrages précédents de la collection des écrits, cet ouvrage au format poche propose 11 textes sur Georgia O’Keeffe.
Artistes, critiques d’art et écrivains parmi les grands noms de la scène américaine, tous apportent un éclairage différent sur l’oeuvre et l’artiste.
Henry Tyrrell.
Alfred Stieglitz.
Marsden Hartley.
Paul Rosenfeld.
Helen Appleton Read.
Paul Strand.
Henry McBride.
Waldo Frank.
Calvin Tomkins.
Barbara Novak.
Barbara Rose.

ISBN : 9782844269027

L’exposition La Grande Parade. Portrait de l’artiste en clown regroupe près de deux cents oeuvres – peintures, sculptures, dessins, films vidéo, installations – couvrant plus de deux siècles, depuis Watteau et Chardin jusqu’à Boltanski et Cindy Sherman, en passant par Tiepolo, Goya, Daumier, Courbet, Seurat, Ensor, Rouault, Léger, Klee, Chagall, Picasso, Nauman, Rondinone, Sorin. Le catalogue et l’exposition portent sur les représentations que les artistes ont données d’eux-mêmes, à partir d’une certaine époque, à travers la figure du clown – qui témoignent de l’évolution de leur statut au sein de la société. Aux alentours de 1780 en effet, l’image que l’artiste se fait de lui-même – et que la société lui renvoie – change lentement mais irrésistiblement. Il cesse d’être considéré et de se croire l’égal des Grands de ce monde pour se percevoir et se projeter au contraire comme un marginal, un déclassé et, par suite, métaphoriquement, comme un bouffon ou un pitre. D’où son intérêt nouveau pour le cirque qui, comme divertissement populaire, commence à se développer précisément à cette époque. Parallèlement, aux autoportraits d’apparat solennels de l’âge classique se substituent souvent des autoportraits «ironiques» où les artistes donnent de leurs traits une image grimaçante ou caricaturale.

ISBN : 9782070117826

« Picasso a envahi le palais des Papes à Avignon à la tête d’une colonne de plus de cent hommes, accompagnés de plus de trente femmes, de deux nains, de deux Arlequins et d’un Pierrot, de plusieurs enfants, de quelques bouquets de fleurs et de quelques fruits. […] Ils ont investi la plus grande et la plus solennelle des salles du pape […] et avec un bavardage mystérieux et silencieux, ils se sont accrochés aux murs […] et ont commencé à parler : «Nous sommes arrivés ici tout juste nés. Nous avons un peu plus d’un an…» » Ainsi le poète Rafael, grand ami de Picasso, résumait-il la grande exposition avignonnaise de 1971 dans son introduction au catalogue, donnant un parfait écho à la production picassienne de ces dernières années.
C’est sur cette période 1969-1972 que se concentre l’exposition du musée Picasso d’Antibes. L’ouvrage qui l’accompagne, à travers une centaine d’oeuvres, s’attarde sur ce moment clé où l’inventivité de l’artiste est particulièrement prolifique, malgré l’incompréhension d’une partie de la critique.
Alors qu’il avance en âge, Picasso fait retour sur ses origines espagnoles : il revisite alors la galerie de ses personnages familiers, les toreros, les mousquetaires, et peint des tableaux qui semblent prendre forme sous nos yeux, dans une facture lâche qui surprend. Si Picasso regarde du côté du siècle d’or espagnol, il tend aussi un miroir à Rembrandt comme à Frans Hals, se ressourçant auprès d’une peinture fidèle à sa définition ancienne, tout en s’émancipant de toute obligation à l’endroit de l’Histoire, comme de l’art moderne.
Il entend assumer le lyrisme de ses oeuvres sur les hauts murs du Palais des Papes à Avignon, en 1970 et 1973. Désormais l’exubérance qui dans ses dernières toiles s’exprime par des teintes vives, et le plus souvent, par de grands formats, témoigne de l’extraordinaire pouvoir créateur de l’artiste, dans une liberté qui n’hésite pas à s’affranchir des valeurs de l’époque, voire à les mettre en doute.

ISBN : 9782711879687

De 1964, date de son accès à la présidence du très politique Salon de la jeune peinture, à 1988, date du séjour de Gilles Aillaud au Kenya, l’exposition retracera le parcours d’un des artistes les plus singuliers de la scène française des années soixante.
Peintre faute d’avoir réussi l’agrégation de philosophie, poète, dramaturge et scénographe, Gilles Aillaud a élaboré une oeuvre dont l’imagerie, subtilement innervée de préoccupations politiques, fait écho aux analyses de Guy Debord sur la « société du spectacle » ou encore à celles que Michel Foucault consacre à la « surveillance », au contrôle généralisé des individus dans les sociétés modernes.
De la représentation des zoos claustrophobiques aux vastes espaces de la savane africaine, loin de toutes pesanteurs rhétoriques et de toute complaisance iconographique, l’oeuvre de Gilles Aillaud dessine la trajectoire d’un art capable d’éveiller la conscience de ses spectateurs à une condition humaine, coupée de ses liens avec le monde naturel, tendue entre le sentiment élégiaque d’un paradis perdu, et une harmonie compromise par l’égotisme moderne.

ISBN : 9782844269614

Le Centre Pompidou poursuit la relecture des oeuvres majeurs du 20ème siècle et consacre une vaste exposition à Francis Bacon.

La dernière grande exposition française de cet artiste eut lieu en 1996, au Centre Pompidou. Plus de vingt ans après, « Bacon en toutes lettres » réunit des peintures de 1971 – année de la rétrospective que lui consacrent les galeries nationales du Grand Palais – à ses dernières oeuvres en 1992.

L’exposition du Centre Pompidou s’attache aux oeuvres réalisées par Bacon durant les deux dernières décennies de son oeuvre. Elle comporte soixante tableaux (incluant 12 triptyques, ainsi qu’une série de portraits et d’autoportraits), issus des plus importantes collections privées et publiques. De 1971 à 1992, (date du décès du peintre), la peinture est stylistiquement marquée par sa simplification, par son intensification. Ses couleurs acquièrent une profondeur nouvelle, il use d’un registre chromatique inédit, de jaune, de rose, d’orange saturé.

Le propos du catalogue traite tout particulièrement du puissant lien entre les oeuvres de Bacon et la littérature. En outre, les triptyques font l’objet d’une présentation exceptionnelle sous forme de dépliants, permettant de prendre conscience de leur impact visuel et de leur parenté, sous un angle littéraire inattendu.

ISBN : 9782844268549

Commissaire : Mnam/Cci, Didier Ottinger

Reflétant les aspirations labyrinthiques des surréalistes, le catalogue, tout comme l’exposition construite en labyrinthe, abolit l’approche linéaire du mouvement : ses deux faces de lecture représentent deux façons d’entrer dans l’univers surréaliste.

L’une des faces donne au lecteur un aperçu poétique du mouvement artistique, en passant en revue 14 dimensions clés, telles que les rêves, les chimères, le cosmos, etc. Cette section est illustrée par 250 reproductions de chefs-d’oeuvre du surréalisme. L’autre face présente l’évolution politique du mouvement, en 8 grandes étapes de 1924 jusqu’en 1968. Cette partie chronologique est illustrée de 150 documents et archives.

Entre les deux, le lecteur trouvera des extraits du Manifeste d’André Breton, accompagnés d’un essai d’Olivier Wagner, conservateur à la Bibliothèque nationale de France.

ISBN : 9782844269881